De cine

Algunas recomendaciones ...

Todos los comentarios y referencias que se publican en esta página proceden de diferentes páginas o blogs de cine: Filmaffinity, Decine 21 y otras. 

Recordad , de todos modos, que hay 2 páginas  más dedicadas a cine  con trabajos elaborados por alumnos de 5ème y 3ème con excelentes comentarios y análisis de películas de géneros diversos.

 No dejéis de leerlos porque  son interesantes y están muy trabajados por los alumnos 

ATRAPADO EN EL TIEMPO

Dos enlaces para los alumnos de 5ème que no podíais acceder al enlace de ATRAPADO EN EL TIEMPO.  Espero que funcionen , los dejo aquí temporalmente.

  INTOCABLE

 

 Más allá de su idealización cinematográfica como fábula inspirada en hechos reales, la historia que presentan Eric Toledano y Olivier Nakache triunfa por la naturalidad de su discurso. Los cineastas consiguen emocionar sin abusar del lacrimal del público mediante forzadas incisiones en el dolor del rico atado a la silla de ruedas ni en la situación social del inmigrante negro de barriada marginal; y por la parte cómica, las andanzas de la pareja improbable pero cierta arrancan carcajadas nacidas de lo que realmente importa aquí: la esencia humana de cada uno, la que permite superar barreras y mirar más allá de lo que tenemos delante. Ciento nueve minutos machacando clichés con total tranquilidad.

Toledano y Nakache ruedan con una sencillez tal que prácticamente olvidamos el ojo de la cámara, aunque los méritos esenciales de “Intocable” residen de manera colosal en el dúo principal, que destila una química fantástica. François Cluzet está tremendo lanzando todo un recital emocional sin más apoyo que su rostro y escasos movimientos de cabeza; y Omar Sy se luce desde un personaje indiscutiblemente carismático e irresistible, pura presencia y encanto .Una agradable demostración de que todos estamos hechos de la misma pasta. Aunque a algunos no les guste.

THE ARTIST

Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro.
"The Artist" observará sonriente cómo todas las críticas aluden a que es muda y en blanco y negro como un supuesto "inconveniente", cuando es obvio que son precisamente las dos bazas sobre las que se sostiene su relato irresistible. Y el que sea francesa (quizá la filmografía occidental más alejada de la norteamericana) tan solo es un dato feliz que sentencia lo global que es este arte. Por último un modesto consejo a los padres de jóvenes adolescentes: saquen a sus hijos de las consolas y llévenles a ver "The Artist", porque es casi seguro que en un par de décadas ni se acuerden de la pasión que derrocharon por crepúsculos y harrypotters, pero más de uno recordará el día que vieron una obra que les inculcó parte de su amor por el cine en su estado más puro. Una absoluta maravilla. 
 (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)      


EN UN MUNDO MEJOR

Sinopsis de "En un mundo mejor"


Anton, un comprometido médico de Dinamarca, ejerce su profesión en un campo de refugiados en África. Está separado de su mujer (ambos están pensando en divorciarse), y tiene dos hijos. El mayor de los chicos, Elias, de diez años, sufre acoso escolar por parte de unos matones de su colegio. Un día, conoce a Christian, un recién llegado que le ayuda, y llega a amenazar con un cuchillo al cabecilla de los agresores para que deje de molestar a Elias. Éste se convierte en amigo inseparable del recién llegado.

Unos días después, Anton, el padre de Elias, acude de visita, y mientras pasa un rato con sus hijos y Christian es agredido por un brutal individuo delante de los chicos. Él opta por no entrar en el juego del agresor y no pelea con él, lo que desconcierta a Elias y Christian, que piensan que su actitud ha sido cobarde. Ante esta situación, Anton lleva a los chicos frente al agresor y se deja golpear, para que vean que su actitud violenta no tiene sentido... Pero Elias y sobre todo Christian no acaban de verlo claro y  plantean vengarse por su cuenta del tipo...

Crítica de "En un mundo mejor", posiciones ante la violencia del mundo

Aparte de lograr una intensidad dramática inusitada, como suele ser habitual en su cine, Susanne Bier ofrece profundas reflexiones sobre el sinsentido de la violencia, y las respuestas que ofrece el ser humano ante ella. La postura inteligente y madura es la del médico, un hombre moralmente por encima de personajes como el tipo que le agrede o un señor de la guerra que causa auténtico terror en África con sus carnicerías. Sin embargo, se deduce de la cinta que no siempre es fácil comportarse de forma civilizada, sobre todo para quienes han sufrido grandes brutalidades.

"En un mundo mejor" trata además otras cuestiones de gran interés, como la comunicación  como elemento clave para solucionar los problemas, o las consecuencias de la desestructuración familiar. Entre las numerosas secuencias brillantes compuestas por Susanne Bier destaca el momento en el que el médico pide al jefe violento que se desarme si quiere recibir tratamiento. Este fragmento recuerda curiosamente a otro de un film que se ha desarrollado casi al mismo tiempo, "De dioses y hombres", con la que comparte elementos temáticos.

UN JUEGO DE INTELIGENCIA
( sobre televisión y audiencias)

El productor de televisión Rainer es un hombre de éxito que lo tiene todo: un sueldo estupendo, un lujoso ático, un coche espectacular y una novia más espectacular todavía. A sus treinta y tantos años ha llegado a la cima de su profesión creando unos programas de televisión de lo más vulgar y estúpido. Su último triunfo ha sido un concurso en el que un hombre podía conseguir el premio de ser padre de un niño, si su espermatozoide ganaba una carrera microscópica para fecundar un óvulo.

Un día, Pegah, una misteriosa mujer, embiste a toda velocidad el coche de Rainer. Tras sufrir una experiencia cercana a la muerte, en Rainer se opera un gran cambio y decide producir un sesudo magazín de actualidad para la franja horaria estelar de su emisora. Hundido por los bajos índices de audiencia obtenidos, deja su trabajo y decide investigar el sistema de medición de audiencia que mantiene en los más altos puestos a programas que son un insulto para la inteligencia.

Determinado a luchar contra el embrutecimiento de la sociedad que provoca la televisión, Rainer y unos nuevos amigos traman un ingenioso y complicado plan para que el público se interese por programas culturales de calidad

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES

  W. SHAKESPEARE - KENNETH BRANAGH

Mucho ruido y pocas nueces es una película británica de 1993, protagonizada, producida, adaptada y dirigida por Kenneth Branagh. Esta adaptación de la comedia homónima de William Shakespeare, se centra en los temas del honor, el  amor y la muerte.

En ella podremos encontrar también algunos de los tópicos literarios del Renacimiento como el Carpe diem , el Beatus ille, el Locus Amoenus y el amor platónico

Argumento

Después de una importante batalla de la que ha salido victorioso, Don Pedro de Aragón regresa, acompañado de un grupo selecto de sus hombres, a casa de su amigo Leonato en Messina, una hermosa villa de la campiña italiana.

Entre los hombres que le escoltan, se encuentran su íntimo amigo Benedicto que sólo encuentra diversión en tener disputas dialécticas con Beatriz la sobrina de Leonato, su envidioso hermano Don Juan y un joven llamado Claudio que se ha llenado de honor en la batalla y que se enamora  de Hero, la hija del anfitrión.

La boda entre Hero y Claudio se concierta enseguida, mientras su ingeniosa prima Beatriz continúa discutiendo constantemente con Benedicto y renegando de los hombres y el matrimonio. Hero, que no cree que tal cosa sea cierta, busca emparejarla con Benedicto, y les hace creer a ambos que el otro está enamorado, descubriendo así en ellos sus verdaderos sentimientos.

Justo entonces, un engaño planeado por el envidioso Don Juan hace que el honor de Hero quede en entredicho y la ofensa a Claudio haga peligrar la amistad de Don Pedro con Leonato. La intervención del torpe pero oportuno alguacil Dogberry descubre toda la verdad sobre Don Juan y finalmente todo se soluciona felizmente.

También la lluvia

Sinopsis:

Costa, un descreído productor de cine, y Sebastián, joven e idealista realizador, trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Tan pronto como estalla la Guerra del Agua (abril de 2000) las convicciones de uno y el desapego del otro comienzan a resquebrajarse, obligándoles a hacer un viaje emocional en sentidos opuestos.

Notas de producción:

- En su quinto y más ambicioso largometraje, Iciar Bollain rueda su historia íntegramente en Latinoamérica, y vuelve a sumergirse en una historia con un fuerte componente crítico, humano y social, como ya hizo en 'Flores de otro mundo' (1999), 'Te doy mis ojos' (2003) y 'Mataharis' (2007).
- Seleccionada por la Academia española de Cine para competir en los Premios Oscar 2010.

EL DISCURSO DEL REY

 A la muerte de su padre, el rey Jorge V, y tras la escandalosa abdicación del rey Eduardo VIII, Bertie, afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel, la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue. A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill, el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla. “El discurso del rey”, basada en la historia real del rey Jorge VI, describe el camino del monarca en busca de su voz y su autoridad.

El discurso del rey lo tiene todo para triunfar: una historia de superación, excelentes diálogos, personajes secundarios de lujo (de Winston Churchill a la Reina Madre), un periodo histórico apasionante, ironía, delicadeza, emoción, ligereza

FELIZ NAVIDAD

Argumento

1914. Ha estallado la I Guerra Mundial. Tres ejércitos enemigos -franceses, alemanes y escoceses- libran el conflicto desde las trincheras. En el Día de Navidad sus tenientes acuerdan pactar una tregua. Los soldados comparten unas escasas horas de paz en las que fraternizarán, pero que serán truncadas por el enfado de sus superiores.

 Comentario

Siguiendo la estela del Bertrand Tavernier de La vida y nada más (1989), Christopher Carion propone un mensaje de paz en unos tiempos caracterizados por la violación de los derechos humanos y la guerra. Para ello recrea un episodio real de la primera guerra mundial en la que unos hombres decidieron olvidar sus diferencias, enterrar juntos a sus muertos, jugar al fútbol, y salvarse mutuamente de los ataques aéreos provenientes de los ejércitos a los que se sirven.

La mirada de Carrion se fija en el teniente francés y alemán ,  en un matrimonio de cantantes de ópera una soprano y un tenor - basado en el cantante Walter Kirchhoff e interpretados con las voces de Natalie Dessay y Rolando Villazón - cuyas voces melodiosas crean el clima propicio para declarar una tregua y que prefieren acabar prisioneros del bando enemigo a permanecer separados, y un sacerdote anglicano que acompaña a sus parroquianos al continente.

Esas horas de confidencias provocan un cambio de postura en los soldados quienes, en caso, de reanudar las hostilidades acribillarían ya no a masas anónimas de enemigos, sino a rostros amigos.

Su comportamiento es sancionado por los superiores. Los franceses son enviados a vivir el infierno en la Batalla de Verdún y el sacerdote es enviado de vuelta al Reino Unido mientras que el obispo alienta a las tropas para masacrar al enemigo. La panorámica que recoge el momento en el que el sacerdote deposita para siempre su cruz -desertando de su ideal de iglesia- resume el espíritu de un filme donde los grandes ideales patrióticos se diluyen ante el horror de la guerra y la esperanza del resurgir de una nueva humanidad.

LA VIDA DE LOS OTROS

Dirección: Florian Henckel von Donnersmarck
Guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Reparto: Martina Gedeck (Christina-Maria Sieland), Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup
Fotografía: Hagen Bogdanski
Montaje: Patricia Rommel
Música: Gabriel Yared, Stéphane Moucha

 

La Vida de los Otros cuenta la historia de un oficial de la Stasi, la policía secreta alemana del régimen comunista de la República Democrática Alemana, que recibe el encargo de vigilar y espiar a la pareja formada por un importante literato y una famosa actriz. El objetivo es verificar si tiene alguna conexión con los disidentes del régimen, y en el fondo bien es sabido que quien investiga en busca de algún tipo de relación sobre algún tema concreto acaba encontrándolo. Es el encargado de vigilar la vida de los otros, incluso descuidando, o quizá evitando, vivir la suya propia.

Con esta premisa inicial arranca este sensacional film alemán que se ha alzado con el Oscar a la mejor película extranjera, dejando en la cuneta a Volver (ya desde su no inclusión entre las nominadas finales) y a la semi-española El Laberinto del Fauno. Y desde luego que hay motivos para pensar que el premio está en su bolsillo de manera merecida.

El protagonista del film es Ulrico Mühe, en una interpretación tan soberbia como espectacular. Lo que en un principio parece inexpresión se encuentra regulado por Mühe para apreciar a través de la vida de los demás como es realmente su propia vida. Gélido, escrupuloso, encarna a un hombre inflexible y convencido de sus principios comunistas en los que el régimen está por encima de todo. Sin embargo debajo de cada impávido gesto se engendran cambios en su personalidad que con posterioridad hacen que cada pequeña variación en su rostro sea traducida perfectamente por el espectador para descifrar los sentimientos de tan adusto personaje.

Con su sistema de escuchas se aprecia como cambia su concepción sobre la aplicación de unos métodos que el consideraba justos y necesarios. Pero por encima de eso, la película nos habla de la soledad del individuo, de aquel que estructura su existencia alrededor de una idea y el desasosiego que resulta al contemplar como las anteriores y válidas convicciones se hacen añicos, como todo se desmorona.

Profunda, cargada de ritmo, consigue imbricar suspense y tensión con una epidérmica revisión de los principios de los individuos, de las consecuencias de la falta de libertad, de la obsesión por el control absoluto en los detalles más nimios cuando en realidad hasta la propia existencia se escurre entre las manos.

LO MEJOR: El genial trabajo de Ulrich Mühe.

Samuel Rodríguez Cimiano.

EL SHOW DE TRUMAN

Gira en torno al programa de televisión de reality "The Truman Show". Su protagonista, Truman Burbank , ha estado frente a las cámaras aún antes de nacer, aunque no es consciente de este hecho. La vida de Truman es filmada a través de miles de cámaras ocultas, las 24 horas del día, y es transmitida en vivo a todo el mundo, permitiendo al productor ejecutivo Christof captar la emoción real de Truman y el comportamiento humano cuando se pone en determinadas situaciones. La ciudad natal de Truman, Seahaven, es un decorado construido bajo una cúpula gigante y poblado por actores de la serie y del equipo, lo que permite a Christof controlar cada aspecto de la vida de Truman, incluso el clima. Para evitar que Truman descubra su falsa realidad, Christof ha utilizado todos los medios para anular su sentido de exploración, incluyendo "matar" a su padre en una tormenta en un viaje de pesca para infundir en él miedo al agua. Sin embargo, pese al control de Christof, Truman ha sabido comportarse de maneras inesperadas, especialmente enamorándose de un extra, Sylvia, en vez de Meryl, la actriz destinada a ser su esposa. Aunque Sylvia es retirada de la serie rápidamente, Truman todavía se acuerda de ella. Además, Sylvia ha iniciado el "Free Truman", una campaña que lucha por que Truman sea liberado de la serie. En la película, durante el trigésimo año de emisión de "El Show de Truman", Truman descubre hechos que parecen fuera de lugar, como un foco que casi lo golpea (tras lo que rápidamente anuncian por la radio local que fue una luz de aterrizaje que se había desprendido de un avión) y una conversación acerca de un "Truman Show" por parte del equipo de filmación en su radio del coche, que describe su viaje matutino al trabajo. Estos acontecimientos hacen que Truman comience a preguntarse acerca de su vida, dándose cuenta de que gran parte de la ciudad parece girar en torno a él. Truman trata de escapar de Seahaven, pero se lo impiden una seria de acontecimientos tales como la falta de vuelos, averías del autobús, embotellamientos de tráfico, y una aparente fusión nuclear. Meryl no puede aguantar el estrés y renuncia al programa, y Christof trae de vuelta al padre de Truman, esperando que su presencia hará que Truman deje de intentar escapar. Sin embargo, sólo le ofrece un alivio temporal: Truman pronto se aísla y empieza a quedarse solo en su sótano. Una noche, Truman consigue escapar del sótano sin ser detectado a través de un túnel secreto, lo que obliga a Christof a suspender la emisión del show por primera vez en la historia. Esto provoca un aumento de la audiencia, con muchos espectadores, incluyendo a Sylvia, que quiere que Truman se fugue. Por orden de Christof, cada actor y miembro del reparto inicia una búsqueda en toda la ciudad, e incluso adelantan el día. Descubren que Truman trata de huir en barco y restauran la emisión, pero Christof decide actuar provocando una gran tormenta para tratar de volcar la embarcación. Sin embargo, la determinación de Truman finalmente lleva a Christof a poner fin a la tormenta. Como Truman se recupera, el barco llega al borde de la cúpula, atravesando la proa el cielo pintado. Truman, aterrorizado, descubre la existencia de un tramo de escaleras cercano, el cual conduce a una puerta en la que pone "Salida". Como ve que va a escapar de su mundo, Christof habla directamente a Truman a través de un sistema de sonido de gran alcance, tratando de convencerlo de quedarse, argumentando que no hay más verdad en el mundo real que la que existe en su propio mundo artificial. Truman, después de pensarlo un momento, dice su famosa frase: In case I don't see you... good afternoon, good evening, and good night (en la película traducida al español dicha como: Buenos días... y por si no volvemos a vernos, ¡buenos días, buenas tardes y buenas noches!), se inclina ante su público, y atraviesa la puerta hacia el mundo real. Los telespectadores reunidos con entusiasmo celebran la fuga de Truman, y Sylvia rápidamente sale de su apartamento para reunirse con él. El equipo ejecutivo ordena el corte de la emisión. Como el espectáculo ha terminado, se muestra a la audiencia del Show buscando otro programa para ver. Simbología El nombre Truman es homófono en inglés a True man, que se traduce como "Hombre verdadero", en alusión a que es lo único real en un mundo ficticio. La ciudad en la que está ambientada la acción se llama Seahaven, que en inglés significa "Refugio en el mar". Es probable que el argumento tenga relación con laalegoría de la caverna de Platón. Marta Torregrosa y Efrén Cuevas Álvarez,"El show de Truman. Estrategias metaficcionales y quiebras del simulacro" Area abierta, nº 25, marzo 2010 (revista en línea)

HEROIS

Un joven publicista, con una carrera profesional   de éxito y una vida personal vacía, se ve inmerso en un viaje a contrarreloj para llegar puntual a una importante reunión de negocios. Durante el trayecto conoce a una chica que viaja tan sólo con una mochila, y con la que, a pesar de sus opuestas maneras de vivir la vida, conectará y acabará rememorando la época más mítica y emotiva de su infancia: el último verano que pasaron con la pandilla. Descubriremos quiénes fueron de niños, con qué intensidad vivieron su primer amor, su primera aventura y cómo se sintieron héroes, cuando luchaban por conseguir aquella cabaña mágica que les podía conceder todos sus deseos. Este viaje al pasado, a sus antiguos anhelos y motivaciones, hará que el publicista se replantee de la noche a la mañana su vida. (FILMAFFINITY)

BLADE RUNER

 Novembre de l'any 2019, Los Angeles és una mena d'infern. Una ciutat superpoblada, farcida de la gent més diversa, on les classes poderoses han marxat cap a altres planetes. Una pluja bruta i àcida cau sobre un carrers plens de fums, de focus de llum i de penombra. Els helicòpters policials, els "spinners", es barregen amb naus-anunci que tapen un cel tenebrós.

Sis androides, anomenats replicants, del tipus Nexus-6 utilitzats com a treballadors-esclaus per a l'exploració i colonització d'altres planetes s'han rebel•lat i deambulen per la ciutat buscant els seus orígens. Els replicants fugits són una creació especial d'una de les empreses més importants, la Tyrell Corporation. Tenen, almenys, la mateixa intel•ligència que els seus creadors, i, certament, molta més força i agilitat. Els dissenyadors creuen que poden desenvolupar sentiments humans com ara l'amor, l'odi, la por, la còlera, l'enveja., etc. Però tenen un dispositiu de seguretat, la seva vida és només de quatre anys.

Per resoldre aquest tipus de situacions, l'administració té una brigada especial, els blade runner ("el que corre amb l'espasa"), que executen els rebels. El millor dels blade runner amb vida, Rick Deckard, està retirat i circula sense rumb pels "xiringuitos" orientals de la ciutat. Deckard és obligat pel cap de policia a iniciar una investigació per caçar els replicants.

Una de les primeres passes que fa és anar a la Tyrell Corporation. Allí coneix Rachael, a qui per encàrrec del propi Tyrell la somet a un test per detectar si és o no una androide. Més tard, Tyrell explica a Deckard que Rachael és el resultat d'un nou experiment i que ella no sap que en realitat és una replicant. L'atracció entre Rick Deckard i Rachael s'inicia en aquesta seqüència.

Els replicants, dirigits per Batty, estan obsessionats per saber dades sobre la seva morfologia i la seva longevitat. Comencen una sagnant cursa per trobar els seu creador.

FARENHEIT 451
Fahrenheit 451 es la temperatura a la que arde el papel de los libros. Guy Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar los libros prohibidos por el gobierno, conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer. De pronto, se encuentra transformado en un fugitivo, obligado a escoger entre su seguridad personal y su libertad intelectual

MATAR A UN RUISEÑOR

Gregory Peck es un abogado sureño que defiende a un hombre negro acusado de violación en esta adaptación al cine de una novela galardonada con el premio Pulitzer. En una ciudad del sur de los Estados Unidos, en la época de la Gran Depresión, una mujer blanca acusa de violación a un hombre negro. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el resultado del juicio es tan previsible que ningún abogado haría nada para evitarla... excepto Atticus Finch (Peck), el ciudadano más respetable de la ciudad. Su compasiva defensa le cuesta muchas amistades, pero le otorga el respeto y la admiración de sus dos hijos, huérfanos de madre.

LA OLA

Argumento

Durante un proyecto semanal, el profesor Rainer Wenger enseña a los estudiantes de su clase el tema de la autocracia como forma de gobierno. Los estudiantes se muestran escépticos ante la idea de que pudiera volver una dictadura como la del Tercer Reich en la Alemania de nuestros días y creen que ya no hay peligro de que el nacionalsocialismo vuelva a hacerse con el poder, porque a pesar de haber pasado décadas, las nuevas políticas y tecnologías arbitrarían el proceso de un mandato nuevo autocrático. El profesor decide empezar un experimento con sus alumnos para demostrar lo fácil que es manipular a las masas. A través de su lema: "fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo", haciendo hincapié en ello, de tal forma que cada día los alumnos siguieran una nueva regla. Por ejemplo, el profesor logró que todos ellos entrasen a su aula y, en menos de 30 segundos, se hubieran sentado todos ellos con actitud atenta y con la espalda bien recta, resueltos a iniciar la clase. El interés por la forma de cómo se ejecutaban esas clases creció, haciendo que jóvenes de otros cursos se cambiaran de aula hasta ser un curso numeroso, derivando en fanatismo. El grupo llega incluso al extremo de inventar un saludo y a vestirse de camisa blanca. El popular curso se decidió llamar "La Ola", y a medida que pasaban los días, "La Ola" comenzaba a hacerse notar mediante actos de vandalismo, todo a espaldas del profesor Wenger, que acaba perdiendo el control de la situación

DIARIOS DE LA CALLE



FOTOGRAFÍA Jim Denault
REPARTO Hilary Swank, Patrick Dempsey, Scott Glenn, Imelda Staunton, April L. Hernandez, Mario, Jason Finn, Hunter Parrish
PRODUCTORA Paramount Pictures / MTV Films / Jersey Films
WEB OFICIAL http://www.freedomwriters.com/
GÉNERO Drama

SINOPSIS Erin Gruwell (Hilary Swank) es una joven profesora recién licenciada que le asignan como primer trabajo dar clases de lengua a un grupo de alumnos de un instituto de Long Beach (California), donde sólo hay malos estudiantes de zonas marginales que tienen la violencia entre bandas en su día a día. Después de un mal comienzo con su clase, pronto encontrará la manera de acercarse a ellos: les hablará de Ana Frank y otros adolescentes menos afortunados que ellos que vivieron grandes tragedias humanas y escribieron sobre ellas

EN BUSCA DE LA FELICIDAD

Chris Gardner (Will Smith) es un vendedor brillante y con talento, pero su empleo no le permite cubrir sus necesidades más básicas. Tanto es así que acaban echándolo, junto a su hijo de cinco años (Jaden Smith), de su piso de San Francisco y no tienen ningún lugar al que ir. Cuando Gardner consigue hacer unas prácticas en una prestigiosa correduría de bolsa, los dos protagonistas tendrán que afrontar muchas adversidades parar hacer realidad su sueño de una vida mejor.

CADENA PERPETUA

En las nominaciones a los Oscars de 1994 apareció una "desconocida" película con 7 nominaciones, dirigida por un novato y con un reparto sin estrellas. Pero ese año "Forrest Gump" arrasó con todo y este drama carcelario se fue de vacío. Desde entonces ha habido una constante reivindicación de la calidad y del conjunto de valores que encierra esta entrañable y entretenida historia sobre la amistad. El guión (basado en el relato de Stephen King "Rita Hayworth and Shawshank Redemption") te atrapa poco a poco en un crescendo magistral, regalando uno de los finales más bellos de las últimas décadas. Robbins nunca ha estado mejor, provocando con su contenida interpretación una empatía que me recuerda a Gregory Peck en "Matar a un ruiseñor". Y por último está Morgan Freeman, con una mirada tierna y sincera que te sentencia a quererlo a perpetuidad, sin necesidad de cadenas.

EL ÚLTIMO MOHICANO

Hawkeye (Daniel Day-Lewis), un blanco adoptado por los mohicanos que vive junto a su padre y su hermano, se ve inmerso en una emboscada en la que salva de una muerte segura a Cora Munro (Madeleine Stowe), hija de un coronel inglés de la que se enamora. Perseguidos por Magua, jefe de los hurones que ha prometido matar a toda la familia del coronel Munro, se ven envueltos en una guerra.

La película el está basada en la novela del mismo título El último mohicano de James Fenimore Cooper:

Sin ningún género de dudas El último mohicano es la obra más conocida y leída de James Fenimore Cooper. Situada en la época de las luchas entre Gran Bretaña y Francia por el control de América del Norte, El último mohicano es una novela cuyo entramado histórico resulta especialmente correcto incluso en los detalles más secundarios. Ambientada en el territorio de los Grandes Lagos la trama de la novela se desarrolla en 1757 cuando un grupo formado por Alicia y Cora Munro hijas del coronel Munro el mayor Duncan Heyward, un guía indio llamado Magua y David Gamut maestro de música abandona el fuerte británico Edward de camino hacia el William Henry. Durante su trayecto se encuentran con Ojo de Halcón o Hawkeye y sus dos amigos indios Chingachguk y su hijo Uncas el último de los mohicanos. Tras pasar diversas peripecias la partida consigue llegar al fuerte William Henry que se encuentra sometido al asedio del francés Montcalm. Munro se ve obligado a rendirse pero pese a las garantías francesas en el momento de la capitulación los hurones atacan a los inermes británicos desencadenando una carnicería. Magua que ha demostrado ser un traidor captura a Alicia y a Cora y Ojo de Halcón sus amigos indios Heyward y Munro partirán en su busca.

CORTINA DE HUMO

Cuando la realidad imita a la ficción

A 11 días de las elecciones presidenciales, el candidato a la reelección es acusado por un escándalo sexual. Los jefes de prensa de la Casa Blanca deben distraer a la opinión pública durante ese tiempo, inventando guerras y héroes. Y acuden a un profesional en la materia: un productor de Hollywood.

No está claro si la realidad imita al arte o viceversa. Sea como fuere esta divertida sátira política se ha anticipado a los escándalos de la Casa Blanca hasta extremos insospechados. Los observadores políticos de la prensa internacional han señalado de modo unánime la similitud entre lo propuesto por el film y el caso Clinton. La coincidencia de los bombardeos de Sudán y Afganistán con la declaración de Monica Lewinsky ante el gran jurado parece un calco del film.

El guión urdido por David Mamet (fue candidato al Oscar) destila acidez por todos sus poros al dibujar la manipulación política a través de los medios de comunicación. Dustin Hoffman está memorable como ególatra productor y tuvo una nominación al Oscar por su papel. Merece la pena escuchar las bellas e irónicas canciones de Mark Knopfler.

Amelie

Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Notre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a sus veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno. Entre ellas está su portera, que pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca: o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir. Pero después de agotarse llevando a cabo estas estrategias, ella se da cuenta de que esta descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. Amelie entonces descubre que debe tomar el control de su vida .

ORGULLO Y PREJUICIO

Inglaterra, finales del siglo XVIII. El matrimonio Bennet (Donald Sutherland y Brenda Blethyn) vive con sus cinco hijas, entre las que destaca la mayor, la bella Jane (Rosamund Pike), Lizzie (Keira Knightley), de fuerte temperamento, y la menor, Lydia (Jena Malone), que sólo piensa en casarse. Cuando un soltero rico, el Sr. Bingley (Simon Woods), y su círculo de sofisticados amigos se instalan en una mansión vecina para pasar el verano, las Bennett se entusiasman con la posibilidad de encontrar pretendientes. En el baile de bienvenida, Lizzie conoce al apuesto y elegante Sr. Darcy (Matthew Macfadyen), que, a primera vista, le parece muy orgulloso y arrogante. (FILMAFFINITY)

CRÍTICA :

"Una de las adaptaciones más deliciosas y conmovedoras de Austen  . Puntuación: **** ." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
                                                   

Slumdog Millionaire

LA PICARESCA Y SLUMDOG MILLONAIRE:

las vidas de unos niños en las chabolas de Bombay y su lucha por sobrevivir no son tan dispares de la historia de Lázaro de Tormes...

Director: Danny BoyleIntérpretes: Dev Patel, Anil Kapoor, Saurabh Shukla, Rajendranath Zutshi, Jeneva TalwarTítulo en VO: Slumdog MillionairePaís: Gran Bretaña, USA Año: 2008. Fecha de estreno: 13-02-2009Duración: 120 min.Género: ThrillerColor o en B/N: ColorGuión: Simon BeaufoyMontaje: Chris Dickens
Fotografía: Anthony Dodmantle

Jamal Malik (Dev Patel), un joven huérfano que proviene de las chabolas de Bombai, es arrestado como sospechoso de engaño la noche en que está a punto de ganar el concurso televisivo ¿Quién quiere ser millonario? Algunos no se creen que un chico de su condición haya sido capaz de responder correctamente tantas (y tan difíciles) preguntas. Pero a medida que la policía investiga su pasado, Jamal va desentrañando sus misterios y narrando su vida.

Por Nuria Vidal

A) Dickens. B) La TV. C) El amor. D) El melodrama (literal, música y drama). Estas son las cuatro opciones para acercarse al último trabajo de Danny Boyle, un film que se desarrolla en tres tiempos que le sirven al director para contar la historia de Jamal, Salim y Latika, niños de la calle sacados de una novela de Dickens trasplantados al Bombay/Mumbay contemporáneo. Jamal es el principal protagonista: un chico sin cultura que se presenta al concurso ¿Quién quiere ser millonario? y, para asombro de todos, gana 20 millones de rupias.
La alternancia entre el concurso de la televisión, donde Jamal consigue poner nervioso al presentador, poco acostumbrado a tener delante un concursante así, con el brutal interrogatorio al que le somete la policía pensando que es un tramposo constituye la parte más interesante de la película. Durante ese interrogatorio, Jamal va desvelando poco a poco las extrañas y curiosas razones por las que conoce las respuestas correctas, haciendo con ello un retrato de la vida en los suburbios de una gran ciudad llena de niños abandonados y explotados y en la que brilla como una piedra preciosa su eterno amor por Latika, el tercer mosquetero. Cuando las historias confluyen en el presente de una noche que congrega ante la televisión a 60 millones de personas, el film se desinfla y pierde fuerza. Pero no importa, porque ya nos ha dejado un buen recuerdo con las aventuras para sobrevivir de los dos hermanos y su pequeña amiga, unidos hasta el final por un destino prefijado.

Fotogramas 

ATRÁPAME SI PUEDES  

picaresca en los Estados Unidos en el siglo XX

 

Basada en hechos reales. Frank W. Abagnale (Leonardo DiCaprio) es un joven y escurridizo delincuente que adopta diversas identidades (médico, abogado o copiloto de líneas aéreas). Carl Hanratty (Tom Hanks) es un agente del FBI, cuya única misión consiste en seguir su pista y capturarlo para llevarlo ante la justicia, pero Frank siempre va un paso por delante de él. (FILMAFFINITY)

Como la película anterior , la vida de un personaje ( en este caso real) muy distante en el tiempo y el espacio de Lázaro de Tormes, nos permite comprender los elementos básicos de la personalidad de un pícaro, cuya conducta pasa de la amoralidad a la inmoralidad.

En la película Frank tiene su oportunidad de reinsertarse en la sociedad, Lázaro no tuvo tanta suerte...

Recordemos las frases   de este genio del humor absurdo : Groucho Marx, que podrían aplicarse perfectamente a la vida de un pícaro como Lázaro:

"Salimos de la nada para alcanzar las más altas cotas de la miseria"

frase que nos estaría hablando del determinismo hereditario y ambiental que condiciona el destino del pícaro.

"Estos son mis principios , si no le gustan , tengo otros"

que haría referencia a la inmoralidad del personaje  que, carente de unos principios sólidos, ajusta su moral "relativista" a las situaciones, según sus necesidades.

SOLO ES EL PRINCIPIO

Ficha técnica

Director:Jean-Pierre Pozzi, , Pierre Barougier   Productores: Ciel de Paris Production

Actores: Isabelle Duflocq, Pascaline Dogliani

País:Francia

Duración:98 min.

Año:2010

Titulo Original:Ce n'est qu'un début

Es una película documental sobre clases de Filosofía para Niños, captado con calidez y sensibilidad, en la senda de Ser y tener de Nicolas Philibert, que promueve a la reflexión sobre nuestra capacidad ética, social y humana, y sobre la importancia de una buena educación desde la infancia. Los expresivos y vitales protagonistas se llaman Azouaou, Abderhamène, Louise, Shana, Kyria o Yanis. Tienen entre 3 y 4 años cuando, juntos, exponen libremente, con sus emociones y contradicciones, sus ideas sobre el amor, la libertad, el liderazgo, la inteligencia, la muerte... A lo largo de un curso, sentados en un círculo alrededor de una vela encendida, con ayuda de su maestra Pascaline, aprenden a expresarse, a escucharse mutuamente y a conocerse mejor. Entre todos hacen filosofía, reflexionan sobre temas importantes, a menudo olvidados en nuestra sociedad. No hay estudiantes buenos ni malos: lo fundamental es pensar por sí mismos. Los niños hablan con sus propias palabras, llenas de espontaneidad, humor, lógica y poesía; cargadas en muchas ocasiones de un increíble y envidiable sentido tolerante y cívico. Ellos son nuestro futuro.

PRIMERA PLANA (1974)

Una escena que "enseña" cómo hay que hacer una noticia para captar la atención del lector. Total... ¿Quién lee el segundo párrafo?

Billy Wilder antes de ser director de cine, incluso antes de ser guionista de directores como Ernst Lubitsch; fue... periodista. En su filmografia hay dos películas que se centran en la labor del periodista, esas películas son El Gran Carnaval (1951) y Primera Plana (1974).

"Primera plana", tiene como dúo protagonista a Walter Matthau y Jack Lemmon. Tándem con una química especial .

La trama de "Primera plana" o "The front page" se centra en la espera de unos periodistas a la resolución de un juez; es decir, si condenan o indultan al imputado. Es una película que en el año de su estreno no tuvo una gran acogida. Billy Wilder seguía apostando por lo clásico en 1974 y el público parecía estar un poco cansado de del clasicismo. Pero eso no le quita ningún mérito a la gran película de Wilder. Es una gran comedia basada en la obra teatral homónima de Ben Helcht y Charles MacArthur que ya fue llevada anteriormente a la pantalla por el que fue uno de los mentores de Billy Wilder: Howard Hawks. La película de la que hablo es "Luna nueva" (1940).

Esta película nos hace ver que la prensa no siempre es veraz y objetiva y que  , a menudo,no busca la verdad, sino la mayor exclusiva, lo que más le guste al público y la venta de periódicos a base de mentiras, falsas noticias y primicias conseguidas de manera ilegal. En la película los periodistas se pasan la tarde jugando a las cartas y bebiendo alcohol, mientras sólo uno o dos buscan e investigan. Cuando uno de los periodistas que sí trabaja llama a la redacción de su periódico para informar lo que ha visto, los demás que lo escuchan se aprovechan de él y llaman a sus correspondientes periódicos dando una versión distorsionada de lo que ha dicho el primer periodista.

Además muestra en forma de parodia la época de la historia estadounidense de fuerte represión a los movimientos sociales conocida como el Temor rojo, conjuntamente con la corrupción política y policial de los años 20, en la figura el sheriff y del alcalde uno incompetente y otro, ambicioso.

De Cine 21

UNO,DOS , TRES 1961

 Está basada en la obra teatral del mismo nombre de F. Molnar. Es una de las grandes películas cómicas de Billy Wilder.

En esta divertida comedia de Billy Wilder el humor sirve como elemento distanciador que permite afrontar con una sonrisa un tema muy espinoso: La Guerra Fría

El Berlín Occidental sirve de escenario para la confrontación de los antiguos bloques, sintetizada en la odisea de McNamara (James Cagney), un ambicioso representante de Coca-Cola. Sus peripecias permiten al director caricaturizar  los esterotipos del comunismo y del capitalismo, a través de un magnífico guión, escrito en colaboración con I.A.L.Diamond, que sirve de base a una de las mejores comedias de la historia del cine. El film no concede al espectador un solo momento de respiro, y la acción continua, aunque sencilla, que enmarcan los decorados de Alexander Trauner, queda también potenciada y acertadamente subrayada por las trepidante música de André Prévin.

Los personajes presentan un diseño caricaturesco; la típica familia americana del protagonista contrasta con su entorno de trabajo; por él circula una galería de personajes de la Alemania derrotada, presentados con humor y ternura, cuyos problemas económicos se presentan con sutileza, y en acusado contraste con la prosperidad del hombre de negocios americano: desde los ex-nazis ocupados en borrar un pasado que les avergüenza (como Schlemmer, o el periodista), hasta los que se preocupan tan sólo de su propia supervivencia (la secretaria Ingeborg, el conde Von Droste-Schatemburg, y Fritz, el chófer). Forman un conjunto de personajes planos a menudo caracterizados por un único rasgo.Siin embargo, son esenciales para el juego cómico; destacan la marcialidad y el servilismo de Schlemmer, reconvertido en esbirro del capitalismo, que hace inútiles esfuerzos por olvidar sus antiguas costumbres, e incluso finge haber olvidado quién era Adolf.

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EL MILAGRO DE ANA SULLIVAN

El director logra llevar a la gran pantalla, en 1962, este drama basado en un hecho y cuenta con una destacada y magistral interpretación de la pareja protagonista, donde se puede apreciar hasta qué punto se puede establecer una relación maestro-alumno y que todo lo que uno se proponga conseguir, es posible.

En la película nos encontramos con a Anna Sullivan, profesora especializada en el trabajo con niños con discapacidad, quien es llamada por la familia Keller para educar a su hija Hellen, una niña de siete años sorda, ciega y muda, con importantes problemas de comunicación. Además, el trato que le han dado los padres a su hija ha hecho que ésta sea una niña mimada y reacia a someterse a ninguna disciplina. Anna tendrá que hacer frente a la inteligencia de Hellen y a unos padres sobreprotectores

Hellen Keller y Anna Sullivan: su vida

Helen Keller quedó sorda y ciega a los 19 meses de edad a causa de una fiebre. Debido a sus problemas para comunicarse en las etapas más tempranas de su desarrollo, Hellen estuvo prácticamente incontrolable por un tiempo.

Al no poder expresarse con nadie ni entender las cosas de su entorno, su frustración aumentó con la edad y su rabia iba a peor. Se convirtió en una persona salvaje, caprichosa y muy agresiva. Por ello, los padres de Hellen se vieron en la necesidad de pedir ayuda externa de alguien especializado en este tipo de casos: Anna Sullivan.

Anna Sullivan venía de un ambiente bastante desfavorable. Al igual que Helen, también era ciega (perdió la visión a los cinco años y fue abandonada). No obstante, Anna tuvo suerte y dio a parar al Colegio Perkins para Ciegos en Boston.

Con el paso del tiempo (y tras dos operaciones tras las cuales recuperó la visión), se graduó con honores, y por ello fue la seleccionada para cuidar de la hija de los Keller.

Las técnicas de Anna Sullivan

La primera barrera que había que romper era la comunicativa, y para ello, Anna debía vencer la agresividad de Hellen con fuerza y paciencia. Posteriormente le enseñó el alfabeto dactilológico. Anna le ponía en contacto con los objetos y le deletreaba en la mano las palabras.

Hellen comenzó a animarse y a interesarse por el entorno que la rodeaba. Poco a poco el vocabulario de Hellen fue aumentando, lo que sería un importante avance para enseñarle a hablar.

Tras años de trabajo, Hellen logró calmarse y comportarse como una persona civilizada, amable y cordial. Además, aprendió a leer y escribir en Braille, así como a leer de los labios de las personas tocándoles con sus dedos y sintiendo el movimiento de sus facciones e interpretándolas.

Anna ayudó a Hellen en varias instituciones trabajando con otro tipo de materiales y textos que la ayudaran a evolucionar, enseñándole distintas lecciones y actuando como su intérprete. Ella interpretaba en las manos de Hellen lo que los profesores decían en clase, y transcribía en los libros utilizando el sistema Braille.

Hellen logró gradarse con honores en el Radcliffe College, donde escribió “La historia de mi vida”. Tenía un poder de concentración extraordinario, muy buena memoria, además de muy buenos recursos personales para mejorar. 

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LA CENA DE LOS IDIOTAS
1998

 ‘La cena de los idiotas’ devuelve algo del esplendor perdido a la buena y gran comedia. Su premisa parte de la idea que unos hombres de éxito de París, tiene todas las semanas: se reúnen para cenar invitando cada uno de ellos a la persona más estúpida que conozcan, para reírse de ella, sin que ésta lo sepa, evidentemente. Pierre, uno de los hombres que se apuntan puntualmente a la malévola, perversa y casi sádica costumbre, conoce por recomendación a una persona, François Pignon (nombre muy utilizado por Veber en su filmografía), que entra de lleno en su perfil para presentar a sus amigos al ser más imbécil que habita el planeta Tierra. Lo citará en su casa antes de acudir a la cena, para conocerle, pero allí las cosas darán un giro totalmente inesperado.
Una trama sencilla, de la que Veber se vale para hablar de cosas como la diferencia de clases, los prejuicios, y el amor. Diferencia de clases porque en todo momento Pierre cree estar siempre por encima de todo aquel cuya condición social no sea la misma que la de él, obviando las necesidades y sentimientos de los que le rodean. Prejuicios por pensar que una persona con raras costumbres (en este caso maquetas realizadas con cerillas) es idiota sin remedio. El amor siempre está presente en la trama: Pignon se dedica a sus maquetas por el abandono hace años de su mujer, y Pierre está a punto de experimentar lo mismo, dándose cuenta de que por amor será capaz de hacer las cosas más idiotas que nunca haya pensado. Es aquí cuando Veber realiza la propuesta más inteligente del film: el idiota pasa a ser el inteligente, y el inteligente pasa a ser el tonto. Ambos se pondrán en los zapatos del otro  y sobre todo Pierre comprobará que la vida no es tan simple y fácil de manejar.
Veber condensa en poco menos de hora y media toda la acción del film, que se desarrollará en el apartamento de lujo de Pierre. Un ritmo perfecto marcado por tres hilarantes conversaciones telefónicas y la incursión de varios personajes más, algunos con mayor importancia que otros. Al respecto, cabe señalar, que si la participación del mejor amigo de Pignon, también inspector de Hacienda, provoca momentos inolvidables, el que aparezca uno de los amigos de Pierre, o la amante de éste, no está tan aprovechado e incluso dichos personajes no aportan nada de interés a la trama.
‘La cena de los idiotas’ es probablemente la mejor película de Francis Veber, quien nunca pareció tan seguro de sí mismo manejando el material que tiene entre manos.
Para reírse sin prejuicios de nosotros mismos, para acabar el día con una sonrisa en la boca y comprobar que en vez de amargarnos por nuestros problemas, podemos enfrentarnos a ellos con sentido del humor.

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NÁUFRAGO 


Dirección:RobertZemeckis.
País:USA.Año: 2000

SINOPSIS

Tom Hanks interpreta a Chuck Noland, un ingeniero en sistemas de FedEx, cuya vida, tanto en lo personal como en lo profesional, está absolutamente regida por el reloj. Su agitada carrera lo lleva, a veces de un instante para el otro, a lugares remotos, y lejos de su novia, Kelly, que interpreta Helen Hunt.

La existencia maníaca de Chuck tiene un final abrupto cuando, luego de un accidente aéreo, se convierte en el único sobreviviente en una isla remota, aislado en el lugar más desolado que sea posible imaginar. Despojado de las comodidades de la vida diaria, primero debe cubrir las necesidades básicas para sobrevivir, incluyendo agua, comida y refugio. Chuck, que siempre encontraba la solución a los problemas, debe encontrar la forma de sostenerse físicamente. ¿Y después qué? Ahí comienza la verdadera travesía personal de Chuck.

Después de cuatro años, el destino le brinda la oportunidad de luchar para lograr regresar a la civilización, solamente para encontrar un desafío emocional inesperado superior a todos los físicos padecidos hasta el momento. Su capacidad para perseverar y no perder la esperanza son producto de las experiencias vividas.

GOODBYE LENNIN

(2003) Dirección: Wolfgang Becker. Intérpretes: Daniel Brühl, Katrin Sass, Maria Simon, Chulpan Khamatova. Alemania Oriental, octubre de 1989. En vísperas de la caída del muro de Berlín, la comunista Christine Kerner (Katrin Sass) sufre un infarto y queda en estado de coma. Medio año después despierta en un mundo muy distinto tras la unificación alemana y el triunfo del capitalismo.

Estamos ante una auténtica joya del cine europeo, algo palpable incluso desde los créditos inciales, a los que se unen grabaciones de vídeo antiguas que adelantan cuál va a ser el ritmo de la película: cronológico, ágil, pero tampoco frenético.
En la RDA de los años 70, una mujer (Kathrin Sass) es abandonada por su marido, que ha decidido asentarse en la zona occidental. Ésta reacciona reafirmando sobremanera sus inquietudes socialistas, hasta el punto de que sufre un infarto cuando ve a su adolescente hijo Alex (Daniel Bruhl) en una manifestación en contra del muro de Berlín.
Durante su largo periodo de coma el muro cae y cuando ella despierta, el médico que la trata aconseja a Alex que cuide de que su madre tenga una vida sin sobresaltos, por lo que él, sabiendo su participación en la realidad socialista, intenta ocultarle la caída del muro, haciendo que su entorno actúe como si nada hubiera cambiado.
Tras esta inquietante y atractiva premisa, encontramos un desarrollo inteligente, unas interpretaciones sobresalientes por parte de los dos protagonistas, y un final que, sin cumplir del todo con las exigencias del resto de la película, no decepciona.

Luis Fernando Romero Calero

150 ANIVERSARIO DE GEORGES MELIES

EL MAGO DEL CINE

LA INVENCIÓN DE HUGO

Martin Scorsese hace una filigrana en el abracadabrante plano de apertura de La invención de Hugo. La cámara recorre el París de los años treinta del siglo pasado, se dirige a la estación de Montparnasse, cruza andenes y vestíbulos y se planta en el rostro de un niño oculto en un enorme reloj. Bastan estos veloces segundos para intuir que hemos emprendido un viaje al centro de la magia y que ahí vamos a vivir, asombrados, extasiados, dos horas de ininterrumpido placer.

El niño es un huérfano, fascinado por los mecanismos de relojería y los autómatas, que vive furtivamente en la estación y cuya agitada aventura le llevará a descubrir la verdadera identidad de un anciano vendedor de juguetes, nada menos que Georges Méliès.

El cine es la materia prima de la que está forjada La invención de Hugo.Inspirándose en un relato ilustrado de Brian Selznick, Scorsese traza un puente entre el insigne pionero del cine y su propia película. El prodigio digital y el mejor empleo hasta la fecha del 3D no son otra cosa que el equivalente a esos fotogramas amorosamente coloreados a mano por Méliès. Al tiempo que una lección de cine, la película es una pequeña lección de historia del cine, con sus legítimas licencias en aras de la fantasía.

Pero Méliès no está solo en esta fiesta, también se alude a los Lumière. Y para certificar que la realidad y la ficción habitan un mismo universo, Scorsese hace rimar la famosa primera proyección de la llegada del tren a la Ciotat con la recreación de un célebre accidente ferroviario acaecido en la estación de Montparnasse, que aquí no está datado pero ocurrió en octubre de 1895, justo dos meses antes de la histórica sesión. Hay cientos de ideas, de notaciones, ecos y sugerencias en este inagotable, bellísimo, deslumbrante canto de amor al cine, una obra extraordinaria capaz de generar en el más común de los mortales un inesperado síndrome de Stendhal.

 LA VANGUARDIA  Jordi Batlle Caminal 

INFLUENCIA DE LA CIENCIA EN EL CINE: 

GEORGES MELIES EN CAIXAFORUM DE ABRIL A JUNIO DEL 2013

La magia de Georges Méliès se adueña de Barcelona

Un total de 418 objetos, entre filmes, fotografías, dibujos, vestuario, carteles y aparatos de cine se exhiben en el CaixaForum

| 04/04/2013 - 14:56h | 

CaixaForum presenta una muestra con piezas inéditas del artista, pionero en introducir los efectos especiales en la gran pantalla

 Un total de 418 objetos, entre filmes, fotografías, dibujos, vestuario, carteles y aparatos de cine se exhiben desde hoy en CaixaForum Barcelona, en la primera gran exposición dedicada en España al mago del cine Georges Méliès, realizador y distribuidor de más de 500 películas entre 1896 y 1912.

Comisariada por Laurent Mannoni, director científico de Patrimonio y del Conservatorio de Técnicas de La Cinémathèque Française, la muestra llega a la capital catalana con piezas inéditas, nunca antes expuestas, como el autómata utilizado por Martin Scorsese en la película La invención de Hugo, o con delirantes inventos como "el armario del decapitado recalcitrante".

Con una escenografía que recuerda a sus fantásticas películas, la exposición "Georges Méliès. La magia del cine" se divide en tres ámbitos: las raíces de su cine y el arte del engaño; su vida y su obra, con especial incidencia en el film "Viaje a la Luna" y concluye recordando que el artista en los años veinte cayó en el olvido, trabajando, tras arruinarse, en una pequeña tienda de juguetes de la estación de Montparnasse.

Mannoni ha mostrado hoy su satisfacción por haber podido armar en Barcelona un proyecto expositivo más completo que el que preparó en París en 2008 y que, a su juicio, "permite una visión prácticamente total de Méliès", considerado como el primer ilusionista del cine, con una visión del séptimo arte diferente a la de los hermanos Lumière, que apostaban por plasmar la realidad.

Tampoco ha obviado que este hijo de un empresario del calzado, que tocó todas las teclas del celuloide como director, actor, decorador o técnico, reinó a lo largo de dos décadas pero, después de la Primera Guerra Mundial, quedó "anclado en su universo fantasmagórico" y el público empezó a preferir otras propuestas como las de D. W. Griffith.

Este hecho, que en esta apabullante muestra también se consigna, comportó que quedara arruinado, obligado a vender sus propiedades, su estudio o sus muchos autómatas, e incluso "en un ataque de desesperación, con una cerilla", que destruyera una colección de 500 negativos.

En Barcelona, el público podrá seguir toda su trayectoria, desde su nacimiento en 1861 a su muerte en 1938, y podrá conocer 21 películas originales, algunas de las cuales han sido restauradas y digitalizadas para esta exhibición.

En este punto, Laurent Mannoni ha indicado, sin embargo, que la filmación que se presenta de Viaje a la Luna no es una restauración. "¿Cómo decirlo? ¿Cómo hablar de este objeto extraño? No lo sé, pero en todo caso es una versión lo más completa posible, con efectos de coloreado, siguiendo la posición de la familia Méliès", se ha contestado él mismo.

Otros objetos que llaman la atención son diferentes aparatos originales como linternas mágicas -algunas de las cuales podrán ser utilizadas por los visitantes-, una cámara cronofotográfica o praxinoscopios y discos estroboscópicos.

Tampoco pasa desapercibida una maqueta de su estudio de Montreuil-sous-Bois, que tenía el mismo tamaño que el teatro Robert- Houdin, un mago al que siempre admiró.

También hay series de dibujos de sus películas y manuscritos con ideas para sus filmaciones, donde siempre se combinaron el terror y el humor, con diablos, esqueletos o fantasmas pululando por las mismas.

Las sombras chinescas, que tanto le impresionaron en su infancia, no faltan en la exposición, igual que la presentación de algunos de sus trucos mediante la sobreimpresión, los fundidos encadenados, los fondos negros o los efectos pirotécnicos.

La muestra, que podrá verse hasta el 24 de junio, se complementa con actividades paralelas, muchas de ellas dirigidas a los más jóvenes, e incluso se ha creado el concurso Participa Méliès, en el que deberán crearse vídeos basados en algunos de los trucos típicos de la cinematografía del creador francés.

Leer más: http://www.lavanguardia.com/cultura/20130404/54371983938/georges-melies-barcelona.html#ixzz2PcD3LNl

UNA HABITACION CON VISTAS

Muchos de vosotros quizá conozcáis la historia gracias a la película que se títula igual que el libro, dirigida por James Ivory y protagonizada por Daniel Day-Lewis, Helena Bonham Carter, Maggie Smith y Julian Sands; una muy buena y acertada adaptación de la novela, así que si disfrutaste con la película, la misma sensación tendréis leyendo el libro.

La novela de Forster-escrita en 1908- nos cuenta la historia de una joven inglesa que viaja como turista a Florencia y allí despierta a la vida y al amor. La belleza de la ciudad así como de las particularidades de sus habitantes abren su corazón, que hasta ese momento sólo se había asomado cuando interpretaba al piano obras de Beethoven o Schubert. Las interpretaciones al piano de Lucy reflejan inquietudes que su viaje a Italia la devuelve con creces. Allí conoce a un extraño joven de clase obrera que viaja con su padre,un tanto nihilista pero a la vez bohemio y romántico, capaz de gritar en medio de la naturaleza una exigencia a la existencia: Valor y Amor,confirmándolo con un beso en los labios de la joven. A la vuelta a Inglaterra la joven se compromete con un petimetre inglés, un esteta, de verbo fácil y snob, que obviamente no permitirá a la joven olvidar su aventura florentina, sino que al contrario, la acentuará, jalonada aún más por la aparición del joven romántico.

No esperemos malos ratos o tragedias en la novela de Forster. Es una novela con final feliz, una novela cuyo principal fin es despertarnos a la vida, hacernos creyentes del hecho de que todavía podemos empaparnos de la misma. No hay nada mejor que resuma la obra de Forster que el grito de Valor y Amor en medio de la naturaleza que desencadena en un beso improvisado y salvaje. Todavía es posible soñar con la belleza, con lo inesperado, con esos sueños que no nos atrevemos a soñar pero que de vez en cuando aparecen de la manera más cotidiana, todavía es posible empaparse y de existencia, hasta quedar completamente borrachos de la misma y caer por haber vivido hasta las últimas consecuencias.

ANTES DEL AMANECER 

Sinopsis Céline (Julie Delpy) es una estudiante francesa que va a visitar a su abuela en Budapest. Jesse (Ethan Hawke) es un joven estadounidense que realiza un viaje a través de Europa después de ser abandonado por su novia a quien realmente fue a visitar a España. Ambos se encuentran en un tren, en el trayecto entre Budapest y Viena. Llegados a Viena, Jesse debe descender, sin embargo, logra convencer a Céline para que pase una noche con él en la capital austríaca. En el curso de esa noche, se conocen a fondo, discuten y revelan cuestiones diversas como la vida, la muerte y el amor. Visitan muchos lugares de Viena mientras conversan . Al día siguiente deben separarse. Pero en el último momento, mientras Céline se apresta a abordar el tren, deciden reencontrarse en el mismo lugar (la estación de Viena), a la misma hora, seis meses más tarde. 

  Sucedió una noche Una trama sencilla y cautivadora, sólo dos protagonistas, una bella ciudad, un guión realista con diálogos frescos, vivos. Resultado: un Oso de Plata al mejor director en el Festival de Berlín, para Richard Linklater. Destaca enormente la pareja formada por Ethan Hawke (El club de los poetas muertos, Grandes esperanzas) y la francesa Julie Delpy (Europa, Europa), quien tras esta película empezó a recibir más papeles en Hollywood. El film es considerado con justicia uno de los mejores productos independientes de los 90 y tuvo una secuela en 2004 con los mismos protagonistas, llamada Antes del atardecer. Premios • Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín al mejor director

Crítica decine21.com

ANTES DEL ATARDECER

“Siempre pensé que me habías olvidado”, le dice Celine a Jesse cuando se vuelven a ver en Paris,nueve años después de ese encuentro definitorio en Viena. “No”, le responde él. “Yo tenía una imagen bastante clara de ti en mi mente”. Se miran unos segundos, midiendo qué van a decir y luego cambian de tema, como si no quisieran llegar a ese momento de la conversación en el que se caen las fachadas. En Antes del amanecer, curiosamente, sus protagonistas hablan de cómo a veces en las relaciones uno se termina convirtiendo en un soldado, planeando una táctica perfecta, calculando qué ficha jugar y en qué momento. Richard Linklater, de manera astuta, retoma ese mismo planteamiento y lo traslada a la secuela. Pero no solo lo hace en la primera media hora, cuando Jesse y Celine hablan desde el medio ambiente hasta la magia del universo, sino que también los enfoca en ese intercambio de miradas al pasar, captando gestos que denoten nervios, conmoción y, sobre todo, amor.  Antes del amanecer y Antes del atardecer son películas sobre el tiempo y la memoria, sobre cómo uno entra en guerra con la otra, sobre cómo los recuerdos pueden persistir o pueden disolverse. Jesse y Celine se conocen por un hecho fortuito – ella cambia de asiento en un tren y así empiezan una conversación -, se conocen en un viaje, se conocen en movimiento. Ella se dirige a un destino, él a otro, pero algo los une, esa magia que para Celine tiene forma de un Dios que no está “ni en ti ni en mí, sino en el espacio intermedio”, como una suerte de energía intangible que los conecta y ya no los suelta. En Antes del amanecer las conversaciones son largas, pero antes de que el primer encuentro concluya, Jesse cita W.H. Auden con ese “no puedes conquistar al tiempo” y luego le saca fotos mentales a Celine, esas fotografías sin revelar de las cuales ya no va a poder deshacerse. 
Nueve años después, en la presentación de un libro apropiadamente titulado This Time, Linklater (quien coescribió el guión con Ethan Hawke y Julie Delpy) hace que Jesse vuelva a traer a colación el tiempo, no solo con referencias culturales sino también con ese primer monólogo sobre su próxima novela acerca de cómo el tiempo es una mentira y cómo una determinada experiencia (en ese caso, una canción) puede transportarte a un momento de tu vida que creías olvidado. Luego alguien le pregunta si “la chica francesa” y él se quedan juntos. Y aquí es donde radica lo brillante de la secuela. A través de la respuesta de su personaje la película se define a sí misma. Jesse responde: “Eso es un test para saber si eres un romántico o un cínico”. Con ese final, en el que él mira a Celine desde un sillón, sin intenciones de tomar ese avión mientras Nina Simone canta “Just in Time”, el film nos pone a prueba a nosotros, nos hace elegir entre un final cínico o un final romántico. Sabemos que la lucha del tiempo contra la memoria es fútil. Sabemos que en nueve años, tanto uno como el otro, con vidas tan disímiles, no pudieron olvidarse y se llamaron, se buscaron, con sus propios mecanismos. Él mediante la escritura, ella mediante la música. Sin embargo, a pesar de cierta esperanza, a pesar de que a cada segundo corroboramos que estamos viendo a dos personas que se aman, Antes del atardecer también es una película triste. Jesse intenta revivir un matrimonio que vaya uno a saber si alguna vez tuvo vida, y Celine evade el romanticismo mediante relaciones de poca trascendencia. ¿Por qué? ¿Por miedo? ¿Por cobardía? No. Por la certeza de que allá afuera está la persona a la que sienten pertenecer. “La idea de que no podemos estar completos sin un otro es malvada”, se queja ella, en esa extraordinaria secuencia en el auto. Pero no sabemos si se lo está creyendo. “Sueño que estoy en una plataforma y que tú pasas en un tren, y pasas, y pasas, y pasas, y yo me despierto llorando”, confiesa él, añadiendo el demoledor “en el amor tiene que haber algo más que compromiso”. Y así sabemos que es cierto. En Antes del atardecer, al contrario, se reprochan ese gesto, porque pasaron nueve años y nunca más apareció nadie que les haya generado el mismo sentimiento. “Recuerdo es anoche con vos más que años enteros”, admite Jesse. Porque en esa noche, más allá del sexo, más allá del amor, más allá de los paseos turísticos, se concentró un momento, un testimonio de cuán ingenuos eran respecto a los vínculos. Por eso, el reencuentro, incómodo al principio, relajado después, tenso nuevamente y finalmente relajado de nuevo, no es solo el reencuentro de dos personas sino también el choque de dos generaciones con dos mentalidades diferentes. Los de veinte, los de treinta. El hombre temerario contrastando con el hombre asentado pero infeliz. La mujer idealista contrastando con la mujer que no puede recuperar el romanticismo perdido. “Te expresé un montón de cosas y tú te las llevaste”, dice Celine mirando a Jesse con dolor por ese momento irrecuperable. Él, por su parte, parece tan vulnerable como para disolverse en moléculas cuando ella lo abraza. ¿Cuánto tiempo bastó para que ambos pasaran nueve años sin olvidarse? ¿Solo un día juntos?. 
Antes del atardecer es una película sobre ese nombre que no es igual a ningún otro, sobre esa persona “hecha de detalles específicos” que se vuelve irreemplazable. Por eso es imposible no sentirse identificado con Jesse y Celine. Porque todos, en un momento u otro, pasamos por lo mismo; porque todos, antes o después, evocamos a esa clase de conexión que se da solo una vez en la vida.

LA PESCA DEL SALMÓN EN YEMEN

Salmon Fishing in the Yemen. Lasse Halström. Reino Unido, 2012.

Lasse Hälstrom vuelve a las pantallas con La pesca del salmón en Yemen. Se trata de la adaptación de la novela homónima del escritor británico Paul Torday. Hälstrom tiene una amplia experiencia en dirigir films basados en novelas, tal y como realizó con  Atando cabos (The Shipping News, 2001), Las normas de la casa de la sidra (The Cider House Rules, 1999) o Chocolat (2000). El título del film resulta una acertada criba para aquellos espectadores que buscan otro tipo de emociones cuando compran su entrada y una apuesta casi segura para aquellos que conocen la filmografía del cineasta sueco.

La primera parte de la película posee un acertado sentido del ritmo, que imbuye al espectador, gracias a la interrelación de los diferentes personajes, en una temática que aparentemente carece de atractivo: el mundo de la pesca del salmón. El Dr. Alfred Jones (Ewan Mc Gregor), funcionario del ministerio de Agricultura y Pesca británico, recibe un mail de la consultora Harriet Chetwode-Talbot (Emily Blunt) con la invitación a participar en un estudio financiado por un jeque yemení sobre la viabilidad de la pesca del salmón en su país. El deseo del gobierno británico de suavizar su imagen pública en Oriente próximo ejerce de detonante para que, a pesar de la negativa del Dr. Jones, el proyecto se lleve a cabo.

La participación de los diferentes agentes implicados en el plan proporciona diálogos ingeniosos, culminando con un divertido chat entre la secretaria de prensa de presidencia y el propio presidente, que el espectador agradece con una sonrisa y al que el director recurrirá nuevamente en posteriores secuencias.

Si los hermanos Coen retrataron a caricaturescos agentes del FBI en Quemar después de leer (Burn After Reading, 2008), los miembros de algunas de las carteras ministeriales británicas, incluido el presidente, aportan el punto cómico al guión. Destaca la interpretación de  Kristin Scott Thomas, una mujer cínica y autoritaria, que ejerce sus dotes de mando con soltura y decisión, tanto en el entorno laboral como en el familiar.

A Ewan McGregor le sienta bien encarnar al Dr. Jones, y su repelente peinado nos perfila, a primera vista, un personaje de costumbres y patrones, anclado en un matrimonio sin pasión, cuya vía de escape es un estanque de peces en el jardín. Su único defecto es abusar de ciertos gestos para representar su personalidad antisocial.

Emily Blunt aporta el toque de naturalidad a la trama pesquera. Su lenguaje corporal es elocuente, y a pesar de que la química entre ambos actores protagonistas resulta difícil de digerir, su sonrisa dulce y la profundidad interior de su personaje despuntan como los elementos más destacables del film.

La ambiciosa propuesta del jeque yemení (Amr Waked) acabará desembocando en un conflicto nacional, y gracias a ello, veremos como él dice, que no se trata sólo de pesca, sino que su propuesta para llevar el salmón a su país sitúa a ambos personajes en una encrucijada emocional en la que habrán de replantearse la continuación de sus vidas.

Las diferentes perspectivas y la mezcla de culturas enfrentan a la población yemení que desconfía de la propuesta del jeque, ya que en ella no ven más que la instauración de costumbres occidentales y su consecuente amenaza.

Los planos generales, rodados en exteriores, acompañados de la música de Dario Marinelli, reflejan lo ambicioso del proyecto pesquero y el reto que éste supone para las personas que participan en él. Por su parte, las tomas de la presa finalizada y de la llegada de los salmones a Yemen consiguen trasladar la expectación del jeque al espectador.

Mientras que el montaje de la primera parte del film dividirá en  ocasiones la pantalla para mostrarnos la hiperactividad de la jefa de prensa, la sensación de paz una vez que aterrizan en Yemen se consigue gracias a los amplios planos de las áridas localizaciones yemeníes, intercalados con mayor pausa.

La pesca se convierte finalmente en la excusa que abrirá un debate filosófico, teológico y científico entre hombres de fe y hombres de ciencia, y desdibujará las fronteras entre lo que creemos y afirmamos ser, y lo que en realidad somos.

La pesca del salmón en Yemen acaba siendo un canto a la fe, un mirar más allá de nuestras fronteras y de nuestra mente, para dejarnos guiar, por una corazonada, por un sueño, y dar ese salto a ciegas, contra marea, como hace el salmón, aquí y en Yemen

Esther Rodríguez

ERIN BROCKOVICH

·         País: USA 2000

·         Dirección:Steven Soderbergh

Erin Brockovich, una madre soltera y sin empleo, sufre un accidente de automóvil. Por culpa de unos abogados desbordados de trabajo pierde la indemnización a que tenía derecho. Su enfado es comprensible, pero le conduce a una petición ciertamente original: ya que le han hecho perder el caso, pide trabajo en el bufete de abogados. Su testarudez es premiada con el empleo. Erin se sumerge en papeles, y nota algo extraño en los correspondientes a una inmobiliaria: los terrenos y viviendas tienen un suministro de agua contaminada. Lo cual ha provocado daños en la salud de varias familias.

Película de abogados, con una intriga interesante y, sobre todo, con la presencia impagable de Julia Roberts. Esta es, sin duda, la actriz que mejor llena la pantalla en la actualidad, con un carisma digno heredero del de una Katharin Hepburn, por poner un ejemplo. Su personaje, una mujer con ganas de trabajar y una vida sentimental y familiar complicada, que viste de modo llamativo, es un regalo para j. Roberts, que lo borda. En esta película tiene además la suerte de contar con un actor masculino a su altura:Albert Finney. Julia Roberts se llevó merecidamente el Oscar a la mejor actriz.

Basada en hechos reales

A lo mejor alguien piensa que es demasiado fantasioso que una chica hortera y sin estudios de derecho se meta con fortuna en complicados pleitos en los tribunales. Sin embargo la historia narrada por Soderbergh es absolutamente auténtica y Erin Brockovich es una mujer real que vive en Estados Unidos y que llevó a cabo ella solita su lucha por los desfavorecidos.

DECINE21

Figuras Ocultas

Hidden Figures. Theodore Melfi. EUA, 2016

Figuras Ocultas, bajo la dirección de Theodore Melfi, presenta la lucha de tres mujeres de color por ser aceptadas dentro de los equipos de élite de la NASA, en pleno inicio de la carrera espacial. Para lograrlo, deben enfrentar el desafío de sobreponerse a todos los obstáculos que le presentan los estereotipos de la época. Hay que resaltar que los personajes están muy bien destacados, presentando todas unas personalidades fuertes que van in crescendo a lo largo del filme.

La historia gira alrededor de las protagonistas, Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Monáe), quienes se desenvuelven como matemáticas en una división de la NASA que se encargaba de calcular las trayectorias que debía realizar la nave que pondría a John Glenn en el espacio. En esa época, todavía, todo era manual, por lo que el trabajo de las científicas era imprescindible a la hora de evaluar el itinerario más conveniente para la nave del primer astronauta norteamericano. Pero también juegan un papel crucial en el desarrollo de la primera computadora IBM, cuestión muy bien retratada por Figuras Ocultas.

El desarrollo de la película no presenta nada novedoso, ya que es parte de la historia de la carrera espacial en la que se embarcaron los Estados Unidos y la Unión Soviética en los 60, en el contexto de la Guerra Fría. Los soviéticos serían los primeros en colocar a un ser humano en órbita, siendo el cosmonauta Yuri Gagarin el primero en ver la Tierra desde el espacio. Esto dejaría en clara desventaja a los estadounidenses, que se vieron obligados a acelerar los trámites para enviar a Glenn al espacio. Allí es cuando el trabajo de Katherine, Dorothy y Mary se vuelve indispensable, cuestión que se encuentra excelentemente resaltada en el libro de Margot Lee Shetterly y sobre el cual han hecho un gran trabajo de adaptación el director Theodore Melfi y Allison Schroeder.

Gracias al desempeño sobresaliente de Katherine, su supervisora Vivian (Kirsten Dunst) decide promoverla a una oficina donde su desempeño  dejará en la sombra el de todos sus compañeros. Pero sus colegas (hombres… y blancos) no pueden soportar que una mujer los deje en ridículo, algo que se personifica en la figura de Paul, personaje que interpreta Jim Parsons –más  conocido como Sheldon Cooper por su papel en The Big Bang Theory (Chuck Lorre, Bill Prady, 2007-). Reacio en un principio, el director de esa oficina, Al Harrison (Kevin Costner) empieza a darse cuenta de que todo el sistema que excluye a Katherine es una cuestión de racismo que impide el progreso de sus trabajos, por lo que decide darle un mayor protagonismo, pese a las críticas que deberá enfrentar.

Nominada al Oscar como mejor película, Figuras Ocultas es otra de las cintas que buscan enfrentar el racismo y demostrar que no existen fronteras de género ni de raza. Lo más interesante que plantea es el doble obstáculo que deben sortear sus protagonistas. De todos modos, los interrogantes que se podrían generar a partir de esto están relacionados con la duda de si estas mujeres no se hubieran destacado, ¿seguirían en su lugar de exclusión?, ¿la única forma de luchar por los derechos es demostrando ser un prodigio en su materia?